Chaque mois sur Kiosk Radio et Cri­ti­kat, un.e invité.e par­tage ses bandes-son de films favo­rites et ses sou­ve­nirs ciné­philes. Pour ce pre­mier épi­sode de The Scores : le mix de Liyo Gong, mon­teuse et co-fon­da­trice du col­lec­tif musi­cal HE4RTBROKEN.

SUN DOG BY DORIAN JESPERS

00′00″ ♪ Sound excerpt

Cet extrait est tiré de Sun Dog, un court-métrage sur un ser­ru­rier errant dans l’hiver d’un Arc­tique russe fan­tas­ma­go­rique. Dans cette scène, une fille qu’il vient de ren­con­trer tra­duit les paroles d’une chan­son d’amour en s’adressant à la camé­ra, sur fond de tem­pête de neige noc­turne. J’ai appris plus tard que le réa­li­sa­teur avait vécu une situa­tion simi­laire lors d’une fête à Mos­cou, et que c’est de là qu’était née la pre­mière idée du film. J’adore ce moment d’intimité inat­ten­du, qui sur­git avec dou­ceur au milieu d’un film plu­tôt taci­turne et mélan­co­lique – et j’aime le fait qu’il soit déclen­ché par cette musique fan­tôme dont on n’entend pas le son, rap­por­tée par une incon­nue.

This excerpt is taken from Sun Dog, a drea­my short film about a locks­mith wan­de­ring through the Rus­sian Arc­tic win­ter. In this scene, a girl he has just met trans­lates the lyrics of a love song to the came­ra, with a night­time snows­torm in the back­ground. I later lear­ned that a simi­lar situa­tion actual­ly hap­pe­ned to the film­ma­ker at a par­ty in Mos­cow, and it was the first spark of ins­pi­ra­tion that gave birth to the film. I real­ly love that moment of sud­den inti­ma­cy and warmth, espe­cial­ly since the rest of the film is quite word­less and melan­cho­lic. I also love that it’s spar­ked by this unheard, ghost­ly music, inno­cent­ly recoun­ted by a stran­ger.

THE MIRROR BY ANDREI TARKOVSKY

00′52″ ♪ Per­go­le­si – Sta­bat Mater

Notre expé­rience du temps est par nature mys­té­rieuse et insai­sis­sable. Le seul moment dont on peut per­ce­voir sen­si­ble­ment la réa­li­té est le pré­sent ; le pas­sé et le futur n’existent que dans notre conscience, sous forme de mémoire et de pro­jec­tions. Dans Le Miroir, Tar­kovs­ki “sculpte le temps” en dia­logue direct avec ce grand mys­tère, tis­sant ensemble rémi­nis­cences et rêves, dis­sol­vant pré­sent et pas­sé dans un flux de conscience bou­le­ver­sant. Son uti­li­sa­tion poé­tique du mon­tage y est très dif­fé­rente de ses autres films, ce qui rend le Miroir par­ti­cu­liè­re­ment pré­cieux pour moi au sein de sa fil­mo­gra­phie. C’est une expé­rience ver­ti­gi­neuse et spi­ri­tuelle, subli­mée par l’usage de musiques sacrées comme le Sta­bat Mater de Per­go­lèse.

Time is a very mys­te­rious thing ; when you think about it, the only thing we can tru­ly per­ceive as real is the present – past and future exist only in our conscious­ness, as memo­ry or pro­jec­tion. In The Mir­ror, Tar­kovs­ky “sculpts time” in a way that brings us clo­ser to that mys­te­ry, wea­ving toge­ther remi­nis­cences and dreams, mer­ging past and present into a stream of flee­ting conscious­ness. He uses the art of mon­tage here in a very unique, poe­tic way, which is why this film is the most spe­cial to me in all his fil­mo­gra­phy. It’s a ver­ti­gi­nous, spi­ri­tual expe­rience, made even more sublime by the use of sacred music, like Pergolesi’s Sta­bat Mater.

OUVERTURES – THE LIVING AND THE DEAD ENSEMBLE BY LOUIS HENDERSON AND OLIVIER MARBOEUF

03′43″ ♪ Sound excerpt

Ouver­tures est un film col­lec­tif qui expé­ri­mente de nou­velles manières de racon­ter l’histoire et le pré­sent depuis une pers­pec­tive cari­béenne, en s’inspirant de tra­di­tions créoles et du Spi­ra­lisme, avec pour point de départ la pièce Mon­sieur Tous­saint d’Édouard Glis­sant, qui retrace les der­niers jours de la vie de Tous­saint Lou­ver­ture, héros de la Révo­lu­tion haï­tienne. Je pense que l’ex­plo­ra­tion d’autres formes de récits comme celles-ci est essen­tielle à une réin­ven­tion déco­lo­niale du ciné­ma. Dans cet extrait à l’atmosphère hal­lu­ci­na­toire, on peut entendre un peu de la bande ori­gi­nale com­po­sée par Poli­do, ain­si que des paroles mur­mu­rées par Lou­ver­ture face à sa mort pro­chaine.

Ouver­tures is a col­lec­tive film that explores new ways of tel­ling his­to­ry and the present from a Carib­bean pers­pec­tive, dra­wing from Creole tra­di­tions and Spi­ra­lism. I think films like this are essen­tial to the rein­ven­tion of cine­ma as part of a broa­der deco­lo­nial move­ment. The sto­ry is free­ly ins­pi­red by Edouard Glissant’s play Mon­sieur Tous­saint, which recounts the final days in the life of Tous­saint Lou­ver­ture, hero of the Hai­tian Revo­lu­tion. In this excerpt, we hear part of the ori­gi­nal score com­po­sed by Poli­do, along with whis­pe­red lines by Lou­ver­ture, offe­ring a glimpse of the film’s hal­lu­ci­na­to­ry atmos­phere.

TABU BY MIGUEL GOMES

05′12″ ♪ Ori­gi­nal Score by Joa­na Sa

Ces notes de pia­no, à la beau­té déli­cate et un peu désuète, ouvrent le film sur des images fan­tas­mées d’une Afrique fil­mée comme au temps du vieux Hol­ly­wood. Dans Tabou, Gomes joue sur l’ambiguïté du pou­voir de séduc­tion du ciné­ma et sa capa­ci­té à créer des sou­ve­nirs illu­soires. La musique com­po­sée par Joa­na Sa exprime à mer­veille ce roman­tisme naïf et cette nos­tal­gie dou­teuse des per­son­nages, pris dans la pas­sion de leur his­toire d’amour et aveugles au contexte colo­nial dans lequel ils vivent.

This beau­ti­ful pia­no piece opens the film over images of a fan­ta­si­zed, ear­ly-Hol­ly­wood-style repre­sen­ta­tion of Afri­ca. In Tabu, Gomes plays ambi­guous­ly with cinema’s seduc­tive power and the illu­so­ry memo­ries it can create. Joa­na Sa’s score, with its deli­cate, old-fashio­ned charm, per­fect­ly cap­tures the naive roman­ti­cism and uncom­for­table nos­tal­gia of the cha­rac­ters, caught up in their love sto­ry, blind to the colo­nial context they live in.

MYSTERIOUS SKIN BY GREGG ARAKI

07′52″ ♪ Ori­gi­nal Score by Harold Budd & Robin Guthrie

Les bandes ori­gi­nales des films de Gregg Ara­ki sont toutes incroyables, et ça a été dif­fi­cile de n’en choi­sir qu’une pour ce mix. Ces deux mor­ceaux pro­viennent de la bande son com­po­sée pour Mys­te­rious Skin par Robin Guthrie et Harold Budd, tous deux affi­liés à l’un de mes groupes pré­fé­rés devant l’éternel, Coc­teau Twins. Gregg Ara­ki et Scott Heim (l’auteur du livre dont Mys­te­rious Skin est adap­té) sont eux aus­si de grands fans de Coc­teau Twins, ce qui a pous­sé Ara­ki à invi­ter Budd et Guthrie à tra­vailler sur le film. Ara­ki a dit que cette bande ori­gi­nale fai­sait par­tie des « plus grandes fier­tés » de sa car­rière, et qu’il n’en reve­nait tou­jours pas d’avoir eu la chance de tra­vailler avec ces deux légendes.

Gregg Araki’s sound­tracks are always so per­fect ! I’m honest­ly a bit obses­sed, and it was hard to choose some­thing for this mix. But these two tracks come from the stun­ning score of Mys­te­rious Skin, com­po­sed by Robin Guthrie and Harold Budd, res­pec­ti­ve­ly co-foun­der and frequent col­la­bo­ra­tor of one of my all-time favo­rite bands, Coc­teau Twins. Both Ara­ki and Scott Heim (author of the book the film is based on) are huge fans of them too, which led Ara­ki to invite Budd and Guthrie to work on the score. Ara­ki has cal­led it one of the “prou­dest achie­ve­ments” of his career, and said that he still couldn’t believe he had the chance to work with these legends.

ATLANTICS BY MATI DIOP

11′44″ ♪ Ori­gi­nal Score by Fati­ma Al Qadi­ri

Je suis éga­le­ment une grande fan de Fati­ma Al Qadi­ri, et j’étais par­ti­cu­liè­re­ment exci­tée de l’entendre tra­vailler sur un film, qui plus est réa­li­sé par Mati Diop. Elle a com­po­sé la bande ori­gi­nale par­faite pour cette his­toire d’amour fan­tôme : pro­fonde, han­tée, hyp­no­tique. Je pense que la musique est un per­son­nage à part entière dans ce film, comme un chant lan­ci­nant de l’océan, qui por­te­rait en lui les voix des hommes qu’il a empor­tés.

I’ve been a fan of Fati­ma Al Qadi­ri since day one, and I remem­ber how exci­ted I was to hear she’d be wor­king on a film, espe­cial­ly with Mati Diop. Atlan­tics is as much a ghost sto­ry as it is a love sto­ry, and this score fits it per­fect­ly : haun­ting, deep, trance-like. It feels like the music is almost ano­ther cha­rac­ter in the film, as if we could hear the beau­ti­ful yet dead­ly song of the ocean, car­rying the voices of the ghost lovers lost to the sea.

SHARASÔJU BY NAOMI KAWASE

16′51″ ♪ Sound excerpt

Cet extrait pro­vient d’une des plus belles scènes de cli­max que j’aie jamais vue, qui se passe lors d’une parade de prin­temps au fes­ti­val tra­di­tion­nel de Basa­ra, dans la ville natale de Nao­mi Kawase. C’est un moment de pure célé­bra­tion et de com­mu­nion, où les chants et la danse prennent la dimen­sion d’une prière pour la vie et le renou­veau. L’euphorie, le chaos d’une pluie sou­daine, le rythme hyp­no­tique des chants… tout est ter­ri­ble­ment beau, et la tris­tesse et les émo­tions répri­mées qui pesaient sur les per­son­nages tout au long du film trouvent ici un exu­toire écla­tant.

This excerpt is from one of the most exhi­la­ra­ting cli­mac­tic scenes I’ve ever seen, which takes place during a spring parade at the tra­di­tio­nal Basa­ra fes­ti­val in Nao­mi Kawase’s home­town. This moment feels like a musi­cal prayer for life and rebirth, an ances­tral cele­bra­tion of com­mu­ni­ty through chant and dance. The eupho­ria, the chaos of the sud­den rain­fall, the hyp­no­tic rhythm of the chants… I just find it all so beau­ti­ful. It’s as if the long-sup­pres­sed, hea­vy-hear­ted emo­tions that run throu­ghout the film can final­ly erupt here.

THE FITS BY ANNA ROSE HOLMER

18′56″ ♪ Ori­gi­nal Score by Dan­ny Ben­si & Saun­der Jur­riaans

Dans ce long plan-séquence d’an­tho­lo­gie, le per­son­nage prin­ci­pal un peu gar­çon man­qué, Toni, tra­verse un pont en impro­vi­sant une danse avec des mou­ve­ments appris à la boxe. Elle invente sa propre fémi­ni­té, dans ce moment de pas­sage méta­pho­rique entre l’enfance et l’adolescence. J’aime beau­coup l’atmosphère inquié­tante que Dan­ny Ben­si et Saun­der Jur­riaans ont créée, avec ces per­cus­sions mini­ma­listes et ces cuivres entê­tants.

In this antho­lo­gy sequence of The Fits, the main cha­rac­ter, a young tom­boy named Toni, crosses a bridge in a beau­ti­ful long take, inven­ting her own body lan­guage somew­here bet­ween boxing and dan­cing. She’s explo­ring girl­hood and femi­ni­ni­ty on her own terms, in what feels like a tur­ning point in her coming of age. I love the score by Dan­ny Ben­si and Saun­der Jur­riaans, with its mini­mal, spoo­ky beats and hyp­no­tic brass.

BLADE BY STEPHEN NORRINGTON

19′40″ ♪ Ni-Ten-Ichi-Ryu (Two Sword Tech­nique) – Pho­tek

Blade est juste un film extrê­me­ment sty­lé, un Matrix avant l’heure mais avec des vam­pires, ce qui sonne quand même très enga­geant. La scène d’ouverture est une des rares bonnes scènes de club, le club étant un espace très dur à cap­tu­rer au ciné­ma. La bande-son est un mélange de tout ce qu’il y avait de plus cool à l’époque, avec notam­ment des mor­ceaux de DJ Krush, et ce mor­ceau de Pho­tek extrê­me­ment sty­lé aus­si.

Blade is just such a cool film. It had The Matrix-level hype before The Matrix, but make it vam­pire. The ope­ning scene is, in my opi­nion, one of the few tru­ly great club scenes in cine­ma – and clubs are noto­rious­ly hard to shoot in inter­es­ting ways. The sound­track is a wild mix of eve­ry­thing cool from that era, inclu­ding tracks by DJ Krush and this great cut by Pho­tek.

THE VIRGIN SUICIDES BY SOFIA COPPOLA

23’06′ ♪ Ori­gi­nal Score by Air

J’ai vu The Vir­gin Sui­cides à sa sor­tie, quand j’étais encore moi-même pré-ado­les­cente, et décou­vrir ce film à cet âge-là a été bou­le­ver­sant. Je pense que c’est un de mes pre­miers grands sou­ve­nirs de ciné­ma. J’ai décou­vert que la beau­té, l’atmosphère et le mys­tère d’un film pou­vaient m’obséder de façon indi­cible pen­dant des mois, sans que mon cer­veau puisse le trai­ter ou l’exprimer d’une autre manière que dans le lan­gage du ciné­ma. Je n’ai pas for­cé­ment une connexion aus­si forte avec le reste de la fil­mo­gra­phie de Sofia Cop­po­la, mais The Vir­gin Sui­cides et sa bande son ico­nique com­po­sée par Air – que j’avais télé­char­gée sur eMule et par laquelle j’étais aus­si com­plè­te­ment obsé­dée – incarnent un moment très pré­cieux de mon ini­tia­tion au ciné­ma.

I was a young tee­na­ger when The Vir­gin Sui­cides came out in thea­ters, and wat­ching it at that age was a pro­found expe­rience, I remem­ber being sha­ken to the core. It was pro­ba­bly one of my first tru­ly impor­tant cine­ma moments. I rea­li­zed that films could touch me in a com­ple­te­ly uns­pea­kable way, that the mys­te­ry, beau­ty, and atmos­phere of a film could stay with me for months in a way that my brain couldn’t pro­cess in any lan­guage other than that of cine­ma. I don’t connect as much with the rest of Sofia Coppola’s work, but The Vir­gin Sui­cides – and its gor­geous score by Air, which I ins­tant­ly down­loa­ded on eMule and lis­te­ned to on repeat for months – still repre­sents a pre­cious moment in my dis­co­ve­ry of cine­ma.

EAT THE NIGHT BY CAROLINE POGGI & JONATHAN VINEL

27’33’’ ♪ Gene­ra­ted Tons by ssa­li­va feat City

Cette folle ascen­sion d’arpeggios com­po­sée par ssa­li­va et City colle par­fai­te­ment avec l’esthétique maxi­ma­liste et le par­ti pris radi­ca­le­ment emo de Eat The Night. La musique de ssa­li­va a tou­jours quelque chose de pur et direct, comme si le geste ini­tial res­tait appa­rent et cen­tral dans chaque mor­ceau, elle a une éner­gie brute mais avec des mélo­dies très éthé­rées et mélan­co­liques, ce qui résonne beau­coup avec ce film. La fin désac­cor­dée de ce mor­ceau tom­bait aus­si par­fai­te­ment pour intro­duire l’extrait sui­vant de ce mix.

This cra­zy arpeg­gio esca­la­tion, com­po­sed by ssa­li­va and City, fits per­fect­ly the maxi­ma­list, una­po­lo­ge­ti­cal­ly emo­tio­nal tone of Eat The Night. I love how ssaliva’s music feels very pure and direct, as if the ori­gi­nal crea­tive ges­ture car­ries through the whole pro­duc­tion pro­cess. It keeps a raw and sin­cere ener­gy, while still crea­ting melo­dies that have this melan­cho­lic, incan­des­cent glow, which reso­nates very well with this film. And the detu­ned ending of the track is actual­ly a seren­di­pi­tous coin­ci­dence, the per­fect intro to the next excerpt in this mix.

HYMN OF THE PLAGUE BY ATAKA51

29’46’’ ♪ Sound excerpt

Mes parents ont tra­vaillé pen­dant plus de 30 ans comme vio­lo­nistes dans un orchestre, et j’ai gran­di en enten­dant cette belle caco­pho­nie d’instruments qu’on accorde, juste avant leurs répé­ti­tions ou leurs concerts. J’étais cho­quée quand j’ai enten­du Hymn Of The Plague com­men­cer par ce même son, le film se pas­sant dans un stu­dio d’enregistrement où un orchestre s’apprête à jouer. Le pre­mier per­son­nage qu’on voit est un petit gar­çon qui joue dans le cou­loir à côté du stu­dio, ce qui m’a aus­si rap­pe­lé les heures pas­sées à m’occuper en cou­lisses quand j’étais enfant. On l’entend ici réci­ter un extrait de la pièce Le Fes­tin en temps de peste de Pou­ch­kine, dont l’orchestre essaie d’enregistrer une ver­sion musi­cale avant d’être lui-même empor­té par un fléau mys­té­rieux. Hymn Of The Plague est un impres­sion­nant petit tour de force réa­li­sé par un col­lec­tif de jeunes réa­li­sa­teurs russes appe­lé Ataka51, que j’ai décou­vert avec bon­heur à Locar­no l’année pas­sée.

My parents were vio­li­nists in an orches­tra for more than 30 years, and I grew up hea­ring the beau­ti­ful caco­pho­ny of tuning ins­tru­ments before eve­ry rehear­sal or concert they brought me to. Hymn of the Plague opens with that exact same sound, since it takes place in a recor­ding stu­dio where an orches­tra is about to begin. When I heard it, it struck a dee­ply per­so­nal chord. The first cha­rac­ter we see is a lit­tle boy playing in the hall­way out­side the stu­dio, which also remin­ded me of the count­less hours I spent trying to enter­tain myself backs­tage as a child. The poem we hear him read is from Pushkin’s A Feast in Time of Plague, as the orches­tra attempts to record a new com­po­si­tion ins­pi­red by the play – but they, too, get consu­med by a mys­te­rious Plague. Hymn is a mas­ter­ful­ly craf­ted short film made by a Rus­sian film­ma­kers’ col­lec­tive cal­led Ataka51, which I dis­co­ve­red at Locar­no last year and fell in love with.

LUMAPIT SA AKIN, PARAISO BY STEPHANIE COMILANG

31’58’’ ♪ Ori­gi­nal score by Why Be, SKY H1 and Ely­sia Cramp­ton

Ce film de science-fic­tion docu­men­taire sur la com­mu­nau­té phi­lip­pine de Hong Kong a béné­fi­cié d’un cas­ting cinq étoiles de musicien.nes pour sa bande-son : Why Be, SKY H1 et Ely­sia Cramp­ton. D’après Tobias Lee (Why Be), iels vou­laient créer quelque chose d’irréel et hors du monde, tout en gar­dant une sono­ri­té intime et émo­tion­nelle. J’écoute beau­coup cette bande-son, et j’avoue que je l’ai sou­vent uti­li­sée comme réfé­rence pour des films que je mon­tais.

This science-fic­tion docu­men­ta­ry about the Fili­pi­no com­mu­ni­ty in Hong Kong fea­tures a five-star cast of music pro­du­cers : Why Be, SKY H1, and Ely­sia Cramp­ton. As Tobias Lee (Why Be) put it, they wan­ted the score to sound other­world­ly, while still hol­ding onto a cer­tain emo­tio­nal or inti­mate sen­si­ti­vi­ty. I lis­ten to this sound­track a lot, and often use it as a refe­rence for films I work on.

ME YOU AND EVERYONE WE KNOW BY MIRANDA JULY

36’00’’ ♪ Ori­gi­nal score by Michael Andrews

J’ai vu Me, You and Eve­ryone We Know il y a long­temps lors de sa sor­tie, et j’en garde le sou­ve­nir d’un film plein de moments affreu­se­ment mignons, contre­ba­lan­cés par une luci­di­té un peu cruelle sur les rela­tions humaines, et la scène de fin m’avait par­ti­cu­liè­re­ment fait fondre. Sans spoi­ler, je dirai juste qu’elle implique un petit gar­çon qui finit par résoudre un mys­tère qui le tour­men­tait, un beau lever de soleil orange-rose et un pou­voir magique. Le thème musi­cal com­po­sé par Michael Andrews, qui revient timi­de­ment tout au long du film, prend fina­le­ment toute son ampleur sur ces der­nières images.

I saw Me and You and Eve­ryone We Know a long time ago when it was relea­sed in thea­ters, and I remem­ber it as a love­ly film full of unbea­ra­bly cute moments, balan­ced by a touch of lucid cruel­ty. The final scene left me in awe, and without spoi­ling it, I’ll just say that a lit­tle boy final­ly solves a mys­te­ry he’s been trying to figure out since the begin­ning of the film, and it involves a pink-orange sun­rise and a who­le­some magi­cal power. Fit­tin­gly, Michael Andrews’ theme, which plays throu­ghout the film, final­ly reaches its beau­ti­ful cli­max here.

GUMMO BY HARMONY KORINE

39’53’’ ♪ Roy Orbi­son – Crying

Ma chan­son de karao­ké ultime est aus­si la musique de fin de Gum­mo. Je vou­lais donc finir ce mix de de la manière la plus épique qui soit, sur le son déchi­rant d’un cœur bri­sé.

My ulti­mate go-to karaoke song also hap­pens to be the clo­sing track of Gum­mo. It’s just per­fect ! I couldn’t resist ending the mix on this heart­brea­kin­gly epic note.