Quelques jours après la fin du fes­ti­val, nous vous livrons nos impres­sions sur l’édition 2012 de Côté court. La pro­gram­ma­tion pan­ti­noise fait par­tie des ren­dez-vous incon­tour­nables autour du court-métrage, que le fes­ti­val explore dans toute sa diver­si­té : varié­té des lon­gueurs, des styles, des genres, des moyens et des ambi­tions. Avec ses com­pé­ti­tions « Fic­tion » et « Expé­ri­men­tal-Essai-Art Vidéo », ses sélec­tions « Pano­ra­ma », « L’écran des enfants », ses ate­liers pour jeunes réa­li­sa­teurs, lec­tures de scé­na­rios et mas­ter­classes, le fes­ti­val Côté court nous a pro­po­sé en dix jours un voyage tour­billon­nant et foi­son­nant sur la pla­nète Ciné 104, habi­tée de films aux for­mats sin­gu­liers.

Impressions

La plus grande frus­tra­tion de Côté court réside dans le fait de ne pas pos­sé­der le don d’ubiquité : com­ment faire pour voir et entendre tout ce que le fes­ti­val a à offrir ? Du 6 au 16 juin, c’était un peu Noël tous les jours pour les dro­gués de ciné. Alors, pour évi­ter l’overdose (ce serait quand même le comble !), nous avons concen­tré notre atten­tion sur la com­pé­ti­tion Fic­tion, com­po­sée de vingt-cinq films de lon­gueurs très variables : 9 à 54 minutes. Cette sélec­tion par­ti­cu­liè­re­ment hété­ro­clite s’organise en effet sur une concep­tion très inclu­sive du terme de court-métrage, avec une sélec­tion mélan­geant en fait des courts et des moyens-métrages (ces der­niers ayant déjà été repé­rés dans plu­sieurs fes­ti­vals, dont les Ren­contres Euro­péennes du Moyen Métrage de Brive, cou­vert par Cri­ti­kat en avril der­nier). L’allongement de la durée des films sélec­tion­nés avait déjà été remar­qué dans le compte-ren­du de l’édition 2011.

Mais la per­sis­tance de cette ten­dance mérite d’être sou­li­gnée, car elle oblige à s’interroger sur le regard por­té indi­vi­duel­le­ment sur cha­cun des films et sur l’inévitable ten­ta­tion com­pa­ra­tiste induite à la fois par la pro­jec­tion consé­cu­tive de trois ou quatre films et la décou­verte rap­pro­chée de sept blocs de films en tout. On ne va pas appré­hen­der de la même façon un film de dix, trente ou cin­quante minutes et pro­je­ter le même hori­zon d’attente en fonc­tion de la durée du film (connue à l’avance grâce au pro­gramme papier). Si la col­li­sion de ces divers for­mats ne consti­tue pas un pro­blème en soi, il sus­cite une inter­ro­ga­tion sur les effets de hié­rar­chie inévi­tables induits par les choix de sélec­tion et l’organisation du pro­gramme. Le pal­ma­rès témoigne de l’aura cer­taine des films les plus longs de la com­pé­ti­tion : La Mala­die blanche (Chris­telle Lheu­reux, 41′) rem­porte le Grand Prix fic­tion, Ce qu’il res­te­ra de nous (Vincent Macaigne, 41′) le Prix spé­cial du Jury et le Prix de la Jeu­nesse, Bagni 66 (Luca et Die­go Gover­na­to­ri, 54’) la Men­tion spé­ciale du jury, Vilaine fille mau­vais gar­çon (Jus­tine Triet, 30′) le Prix de la Presse et le Prix d’interprétation fémi­nine. La qua­li­té de ces films jus­ti­fie com­plè­te­ment leurs dis­tinc­tions, mais il est inté­res­sant de consta­ter la sur­re­pré­sen­ta­tion des moyens-métrages dans la liste des récom­penses. Ces films n’ont-ils pas aus­si mar­qué davan­tage les esprits du fait de leur durée par rap­port à des films plus courts, demeu­rés dans l’ombre de ses « mas­to­dontes » ? L’allongement de la durée des films courts doit-elle être consi­dé­rée un symp­tôme de la créa­tion contem­po­raine, par­ti­cu­liè­re­ment mise en valeur par Côté court ? La sor­tie en salles de films au for­mat « bâtard » consti­tue un fait signi­fi­ca­tif ces der­niers temps. Le Nau­fra­gé et Un monde sans femmes de Guillaume Le Brac, Ce qu’il res­te­ra de nous de Vincent Macaigne, Je sens le beat qui monte en moi de Yann Le Quel­lec viennent consti­tuer une série d’exceptions qui confirme la pos­si­bi­li­té pour des films aux for­mats sin­gu­liers de trou­ver la voie d’une exploi­ta­tion plus tra­di­tion­nelle, au-delà du réseau des fes­ti­vals et des ciné-clubs. D’une cer­taine façon, l’importance des moyens-métrages dans la com­pé­ti­tion Côté court vient aus­si sou­li­gner la recon­nais­sance nou­velle de ces « films du milieu » (en termes de lon­gueur).

Je sens le beat qui monte en moi, réa­li­sé par Yann Le Quel­lec

Au-delà de ces consi­dé­ra­tions struc­tu­relles et stra­té­giques, remar­quons la sin­gu­la­ri­té de ton de cette com­pé­ti­tion : les films construi­sant ensemble une dia­lec­tique de pro­gramme fort inté­res­sante. D’une pro­jec­tion à l’autre, nous avons ren­con­tré des per­son­nages mar­gi­naux et tour­men­tés, tan­tôt en colère et en rébel­lion, tan­tôt essouf­flés par les aléas d’une exis­tence pré­caire ou inadap­tée à leur vision de la vie. Un peu plus d’un mois après les élec­tions pré­si­den­tielles, les films de la sélec­tion battent en brèche la valeur « tra­vail » et la notion de mérite si chères au pré­sident sor­tant. En vingt-cinq films, nombre de per­son­nages crient leur volon­té de ne pas être résu­més à leur acti­vi­té pro­fes­sion­nelle (ou à son absence), d’exister au-delà d’un éti­que­tage social, de trou­ver la séré­ni­té et de cherche le bon­heur en dehors des normes d’une socié­té où le tra­vail et la famille sont pen­sés comme des modèles figés. Tous trouvent des façons dif­fé­rentes d’exprimer ce besoin vital d’exister selon sa propre phi­lo­so­phie de vie : qu’il s’agisse du qua­dra­gé­naire Rodri dans le film épo­nyme de Fran­co Lol­li, du mar­gi­nal Thi­bault dans Ce qu’il res­te­ra de nous de Vincent Macaigne, des ado­les­cents en cours d’orientation de Jeu­nesses fran­çaises, du réa­li­sa­teur débu­tant et incom­pris de Fais cro­quer, de l’étrange Séra­phin, fas­ci­né par Wal­ter Ben­ja­min dans Les Anges de Port-Bou de Vla­di­mir Léon…

Retour sur le palmarès de la compétition fiction

La Mala­die blanche de Chris­telle Lheu­reux, récom­pen­sé du Grand Prix fic­tion, est un film envoû­tant. La beau­té plas­tique du noir et blanc contras­té crée d’entrée de jeu une ambiance sin­gu­lière. Déjà repé­ré pen­dant les Ren­contres Euro­péennes du Moyen Métrage de Brive, ce film fas­cine par sa capa­ci­té à mêler une approche docu­men­taire et un élan oni­rique à tra­vers ses choix pho­to­gra­phiques et son mode de fil­mage. L’histoire, secon­daire aux dires de la réa­li­sa­trice, se construit par touches au fil de dis­cus­sions qui semblent sai­sies au vol par la camé­ra durant un soir de fête dans un vil­lage ardé­chois. Ain­si le film paraît tou­jours à la limite du docu­men­taire et de la fic­tion, sem­blant inven­ter sa propre forme tout au long de son dérou­le­ment. Le mon­tage alterne les plans sur la place en fête et les conver­sa­tions dans les rues adja­centes. L’amour de Chris­telle Lheu­reux pour ce lieu, magni­fié par le tra­vail plas­tique de l’image, trans­pa­raît dans chaque séquence. Dans cette décou­verte aléa­toire, la concen­tra­tion du récit sur un père et sa fille, éloi­gnés de la rumeur de la place prin­ci­pale, teinte ensuite La Mala­die blanche d’une déli­ca­tesse feu­trée. La petite Myr­tille, fas­ci­née par l’apparition d’un san­glier, emporte le film à la limite du mer­veilleux sous une lumière lunaire et dans une forêt abri­tant des cachettes caver­neuses où tout semble pos­sible. L’in­vi­ta­tion au rêve se mêle aux sou­ve­nirs des contes.

La Mala­die blanche, réa­li­sé par Chris­telle Lheu­reux

Vincent Macaigne est dou­ble­ment récom­pen­sé à Côté court avec le Prix spé­cial du Jury et Prix de la Jeu­nesse (un choix sur­pre­nant mais auda­cieux !). Ce qu’il res­te­ra de nous a bien fait par­ler de lui depuis le Fes­ti­val du Court Métrage de Cler­mont-Fer­rand, où ce pre­mier film de l’acteur repé­ré dans Le Nau­fra­gé et Un monde sans femmes avait déjà été pri­mé. Avant de vivre ces aven­tures ciné­ma­to­gra­phiques, Vincent Macaigne est un homme de théâtre, dont les mises en scène exu­bé­rantes, et sou­vent san­gui­no­lentes, revi­sitent des clas­siques avec une force cor­ro­sive. Quand il adapte Ham­let, rebap­ti­sé Au moins j’au­rai lais­sé un beau cadavre (Avi­gnon 2011), Vincent Macaigne revient à la source de la légende danoise qui ins­pi­ra Sha­kes­peare et confronte les spec­ta­teurs au déchaî­ne­ment des pul­sions et à la vio­lence des émo­tions. Sur le pla­teau, les per­son­nages se mettent lit­té­ra­le­ment à nu, se maculent de sang et de toutes sortes de fluides. L’exubérance et la radi­ca­li­té de son tra­vail scé­nique ne pou­vaient qu’attirer la curio­si­té lors de son pas­sage à la réa­li­sa­tion. C’est un peu de cette folie, si symp­to­ma­tique de cet homme dis­cret, que l’on retrouve dans Ce qu’il res­te­ra de nous. Thi­bault, Antho­ny et Laure s’y perdent en tirades-fleuves pour dire toutes leurs ran­cœurs et tous leurs regrets, pour se libé­rer du car­can de la mas­ca­rade sociale et fami­liale où le non-dit n’est qu’une bombe à retar­de­ment. Le déchaî­ne­ment des voix et des corps est contre­ba­lan­cé par un usage simple et pré­cis des outils ciné­ma­to­gra­phiques. Les plans, sou­vent larges, jouent habi­le­ment sur les pos­si­bi­li­tés de sur­ca­drage et la pro­fon­deur de champ dans des décors clairs et ouverts. Dans un très long plan fixe, Laure, le visage cou­vert de rouge à lèvres telle une Ophé­lie macu­lée de sang, se pare de ce masque pour mieux lais­ser écla­ter la véri­té sur tout ce qu’elle pense d’un mari mépri­sant. Ça crie, ça insulte, ça frappe, ça hurle jusqu’à l’essoufflement… et c’est dia­ble­ment juste.

Ce qu’il res­te­ra de nous, réa­li­sé par Vincent Macaigne

Men­tion spé­ciale du jury, Bagni 66 de Luca et Die­go Gover­na­to­ri pose pro­blème du fait de sa lon­gueur. On est bien loin du court-métrage et l’on aime­rait en voir davan­tage. Le film pro­duit l’impression d’un manque, génère une frus­tra­tion, parce qu’on y est si bien qu’on en pren­drait volon­tiers une demi-heure de plus. Bref, Bagni 66 a des airs de long-métrage tron­qué. Sous le soleil de l’I­ta­lie, Elio (Marc Vit­te­coq) retrouve son père (Arol­do Gover­na­to­ri) et les bagni, ce stand de para­sols, chaises longues et jeux de plage, créé par ses grands-parents et repris par un père désor­mais usé. Arol­do veut pas­ser la main pour se consa­crer à d’autres acti­vi­tés, mettre le tra­vail der­rière lui et cher­cher « la tran­quilli­té, la béa­ti­tude » (de ses propres mots). Elio parle fran­çais, Arol­do ita­lien la plu­part du temps : les dis­putes bilingues font entendre le déca­lage per­ma­nent entre ses deux êtres dont les rela­tions heur­tées ont tou­jours été ponc­tuées les absences d’un père autre­fois plus nomade et rare­ment pré­sent. La double natio­na­li­té d’E­lio et le pré­nom de son père teintent le film d’une dimen­sion bio­gra­phique incer­taine. Quand, au che­vet de son père hos­pi­ta­li­sé, Elio pré­fère ne pas l’en­tendre se jus­ti­fier sur ses absences pas­sées, l’é­change gêné en est d’au­tant trou­blant. Ce film tou­chant oscille entre natu­ra­lisme et oni­risme avec une har­mo­nie décon­cer­tante. La camé­ra mobile accom­pagne la viva­ci­té des gestes et l’éner­gie de dia­logues fluides, don­nant l’im­pres­sion d’im­pro­vi­sa­tions tra­vaillées. La longue scène de repas entre amis, très décou­pée, rap­pelle le meilleur d’Ab­del­la­tif Kechiche, quand le ciné­ma semble se sub­sti­tuer à la réa­li­té pour la rendre encore plus juste, plus aiguë. Mais Bagni 66 ajoute à ce mou­ve­ment authen­tique l’é­lé­gance de cou­leurs chaudes, la pré­sence solaire de Salo­mé Sté­ve­nin, la beau­té de cadres tra­vaillés jus­qu’à l’abs­trac­tion, la vibra­tion impres­sion­nante d’une musique trans­for­mant la plage en une zone mys­té­rieuse, où les sens sont décu­plés sous la tor­peur adria­tique, où les êtres se heurtent, se confrontent, s’at­tirent…

Autres surprises

Les Condi­ments irré­gu­liers, réa­li­sé par Adrien Beau

Dans l’en­semble, le pal­ma­rès de cette com­pé­ti­tion fait hon­neur aux films qui ont rete­nu notre atten­tion. Même si l’on doit recon­naître d’autres coups de cœur : pour le fan­tas­tique Sand de Sophie Sher­man par exemple ou le mélan­co­lique Snow Canon de Mati Diop, déjà repé­ré lors de la der­nière Mos­tra de Venise. Dans sa sec­tion « Com­pé­ti­tion fic­tion », Côté court met en valeur des films incon­tour­nables de la pro­duc­tion récente, mais inclut aus­si des films à la limite de la caté­go­rie expé­ri­men­tale : comme le beau In Loving Memo­ry (Jacky Gold­berg), où les image Super 8 et la sur­im­pres­sion sont uti­li­sés pour construire un étrange récit de science-fic­tion, ou le film très opaque de Jayne Ama­ra Ross, The Freet­man Calf, que notre œil par­court sans par­ve­nir mal­heu­reu­se­ment à rete­nir une seule image. Des choix dis­cu­tables au regard de la qua­li­té des cer­tains films de la sélec­tion « Pano­ra­ma », dont nous aurions bien bas­cu­lé quelques pépites en com­pé­ti­tion, comme Les Ficelles de Fré­dé­ric Bayer, Je sens le beat qui monte en moi de Yann Le Quel­lec ou Les Condi­ments irré­gu­liers d’A­drien Beau. Mais lors­qu’on rédige sa liste au Père Noël, on n’a pas tou­jours tout ce que l’on veut !